Gli antichi ateniesi consideravano quasi tutti gli altri barbari, e questo snobismo è traslato fino a noi nel corso degli eoni. Quando pensiamo alla civiltà greca, pensiamo all'età dell'oro di Atene nel V secolo a.C., ad Eschilo e Sofocle, e a statisti come Pericle, la cui orazione funebre suonerebbe quasi traditrice a molti americani di oggi: Apriamo la nostra città a il mondo, e mai con atti estranei escludere gli stranieri da qualsiasi opportunità di apprendere o osservare, sebbene gli occhi di un nemico possano occasionalmente trarre profitto dalla nostra liberalità. . . .
L'età ellenistica venne più tardi, inaugurata dalle conquiste di Alessandro Magno, un macedone che ancora si ricorda un po' come Napoleone, parvenu geniale e spietato. Sebbene l'impero di Alessandro possa essere andato in pezzi dopo la sua morte, i frammenti di ciò che è rimasto hanno portato avanti la cultura greca, spesso in feroce competizione culturale l'uno con l'altro, ciascuno rivendicando il patrimonio greco e superandolo con innovazioni virtuose. Eppure, l'eredità ellenistica è ancora leggermente sospetta, troppo sgargiante e esagerata se giudicata secondo gli standard di Atene al suo apice di potere.
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Una mostra alla Galleria Nazionale d'Arte, Potenza e pathos: scultura in bronzo del mondo ellenistico, offre quella che probabilmente è un'opportunità irripetibile per studiare un aspetto essenziale dell'età ellenistica. In tutto il mondo ci sono meno di 200 bronzi superstiti di età ellenistica e classica, e circa un quarto di questi sono in mostra. Tra questi ci sono alcune delle opere d'arte più commoventi e celebrate di ogni epoca, tra cui un Apoxyomenos (atleta con strumento per raschiare) dal Kunsthistorisches Museum di Vienna, lo stupefacente Eros dormiente del Metropolitan Museum of Art di New York e una testa di cavallo che un tempo apparteneva a Lorenzo il Magnifico, signore de' Medici, ed era ammirato da Donatello e dal Verrocchio.
Andate ora, e andateci ancora molte volte prima che la mostra chiuda il 20 marzo. Se vi disperate del mondo che abbiamo creato, ritiratevi qui. Ogni singolo lavoro è un tonico; collettivamente sono una meraviglia.
Il titolo della mostra si riferisce all'innovazione essenziale degli artisti ellenistici, l'estensione della scultura da un repertorio limitato di corpi ideali a un linguaggio più espressivo, naturalistico e individualizzato. Gli scultori non hanno mai smesso di rappresentare la serenità degli dei e la perfezione della giovinezza, ma hanno anche abbracciato gli anziani e gli infermi, gli ansiosi e gli afflitti, i nervosi e i premurosi. Accanto ad Apollo e Atena vennero immagini di artigiani, poeti e aristocratici scontrosi, in tutta la loro gloria carnosa, panciuta e dissoluta.
Unknown Artist (Hellenistic Bronze). Dancing Faun (Pan), c. 125-100 BC. ( Copyright Archivio dell'arte, Luciano Pedicini) Sebbene il marmo fosse il mezzo preferito per rappresentare l'ideale, in particolare gli dei, il bronzo divenne il mezzo preferito per creare immagini di esseri umani comuni. Era capace di forme più audaci del marmo. I capelli potrebbero arricciarsi lontano dalla testa, le braccia potrebbero essere rappresentate distese senza supporti. Era anche possibile eseguire più calchi della stessa forma, quindi migliaia di bronzi furono realizzati in tutto il mondo greco e protoromano, e si potevano trovare anche alle periferie di quella che allora era considerata civiltà.
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Per un'idea sorprendente di come gli artisti ellenistici usassero la forma, trascorri del tempo con una scultura nota come Fauno danzante. Questa è la stessa figura che ha dato il nome alla Casa del Fauno a Pompei, e lui, come tante altre opere in mostra, esiste oggi perché a un certo punto della storia si è perso - in un incidente, o in un naufragio, o crollo dell'edificio, o in questo caso, l'eruzione del Vesuvio.
I progettisti della mostra hanno abilmente posizionato il Fauno danzante in modo tale che sia affiancato da due statue in bronzo di Apollo, e l'Apollo non potrebbe essere più diverso dalla figura di Pan estatica e rapita persa in una beatitudine lasciva. Gli Apollo, sebbene entrambi di origine ellenistica, si rifanno a una tradizione più antica e arcaica. Sono rigidi e relativamente inespressivi e i loro volti sono generalmente belli ma senza lineamenti individuali. Sono stati realizzati per fare appello al continuo interesse per le forme greche più antiche, prova dell'ampiezza del gusto e dell'interesse per lo storicismo. Sono stati, forse, creati per il pubblico tardo greco e primo romano nello stesso modo in cui alcune persone oggi mettono opere dipinte di recente in uno stile finto dell'era coloniale sopra il camino.
Il Fauno è un'opera spettacolare, dalla sua piccola coda vivace (il genere di cosa che sarebbe impossibile realizzare in marmo) alle sue trecce incoronate di ghiande e selvaggiamente spettinate. Ma è anche curiosamente giocoso e inquietante allo stesso tempo. Il suo corpo è giovane e flessuoso, mentre il viso è apparentemente più vecchio e segnato da una vita di ciò che i greci temevano di più, l'eccesso, l'estremo e la follia. È una figura composita, che unisce insieme l'ideale e il disfacimento della bellezza.
Una piccola statua dell'Eracle Stanco è per certi versi simile. L'eroe muscoloso è sostenuto dalla sua mazza su cui è drappeggiata la pelle del leone di Nemea. Il suo braccio sinistro è posizionato goffamente sopra la mazza, e il suo viso e lo sguardo sono rivolti verso il basso per guardare lo strumento e la ricompensa delle sue fatiche. La clava e la pelle di leone, però, deformano la perfezione del suo fisico, facendolo sembrare sproporzionato e leggermente grottesco. Lui. anch'egli è una figura composita, figlio di Zeus e della mortale Alcmena, ed è colto in un momento di contraddizione: successo e esaurimento, realizzazione e esaurimento. L'opera ha una sorta di energia circolare che inizia con i suoi occhi, scorre attraverso la sua mazza e ritorna sul lato destro del corpo, per formare un anello di significato, una rievocazione infinita di come gli esseri umani sono così spesso macinati dal molto grandezza che cercano.
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Questa mostra è la terza iterazione di una mostra iniziata a marzo a Palazzo Strozzi a Firenze e giunta al Getty Museum di Los Angeles. È nettamente diverso dallo spettacolo presentato al Getty, che includeva un pezzo mozzafiato - un pugile seduto - che doveva essere restituito a Roma prima che potesse viaggiare qui. Il Getty includeva anche una straordinaria giustapposizione di due versioni in bronzo dell'Apoxyemenos e una versione in bronzo e marmo dello Spinario (Ragazzo che rimuove una spina dal piede). Al posto di quelle opere, la Galleria Nazionale ne ha sostituite altre, tra cui un magnifico Fanciullo che corre dalla Villa dei Papiri nell'antica città di Ercolano e una deliziosa statua di Artemide e un cervo (il cervo la guarda con intelligenza e fedeltà di un cane). La perdita del Boxer è particolarmente deplorevole, visto come rappresenta perfettamente l'idea di pathos, ma ciò era al di fuori del controllo della galleria.
La mostra della National Gallery sembra più intima e, se c'è meno fattore wow, ci sono momenti di connessione particolarmente meravigliosi. Una piccola statua di Alessandro a cavallo è vista di fronte a una riproduzione di un dettaglio del Mosaico di Alessandro, un altro tesoro trovato nella Casa del Fauno di Pompei. Se ti trovi nella porta che unisce la terza e la quarta stanza, puoi vedere una statua di un ragazzo avvolto in un mantello, che lo tiene chiuso con le mani. Il ragazzo sembra imbronciato e triste, un adolescente in un funk adolescenziale. Nella direzione opposta c'è il busto e la testa di un uomo, trovato nel mare Adriatico nel 1992. È muscoloso e massiccio e sembra accigliato, e la sua espressione - è imponente o brutale? deciso o megalomane? — è snervante. C'è qualcosa di teppista in lui.
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Potresti avere la sensazione che il ragazzo con il mantello potrebbe benissimo diventare l'uomo con l'Energia Demoniaca nell'altra stanza. Eppure, è improbabile. La statua del ragazzo era probabilmente un monumento funerario, dettaglio che dissolve la sua petulanza nella nostra pietà. Le sue mani, nascoste dal mantello, diventano in un certo senso un segno del suo allontanamento dal mondo. Insieme, percepiamo due diversi stati dell'essere nel mondo, alle prese con esso, o restringendosi nel nostro angolo delimitato di esso.
Un po' come le energie volteggianti dello Stanco Eracle, il dialogo tra queste due figure è seducente: giovinezza e maturità, vita e morte, paura e paura. Potresti sentirti come si sentiva John Keats quando contemplava un'antica urna: Tu, forma silenziosa, ci stuzzichi fuori dal pensiero/Come fa l'eternità.
Power and Pathos: Bronze Sculpture of the Hellenistic World è in mostra alla National Gallery of Art fino al 20 marzo. Per informazioni, visitare www.nga.gov .
