I musei vogliono 2 mostrarti memez ora. Stanno attenti.

A. Eva e Franco Mattes, Ceiling Cat, 2016. (Eva e Franco Mattes/Postmasters Gallery e Team Gallery)

SAN FRANCISCO — Alla fine della mostra Snap+Share, i visitatori del San Francisco Museum of Modern Art vedranno un piccolo gatto che li fissa da un foro rettangolare tagliato grossolanamente nel soffitto. Questo è Ceiling Cat, un'opera del 2016 di Eva e Franco Mattes, che hanno utilizzato un gattino tassidermico per ricreare uno dei meme più popolari e persistenti di Internet: un'immagine del felino accompagnata da variazioni sulla frase Ceiling Cat ti sta guardando . . .

Il meme originale di Ceiling Cat è emerso più di dieci anni fa, con lo slogan Ceiling Cat ti guarda mentre ti masturbi. Ma si è trasformato e si è evoluto con la consueta rapidità della cultura online. Tra le tante iterazioni c'è Ceiling Cat come God the Creator, che parla nella traduzione meme lolcat della Bibbia: All'inizio, no has lyte. Un gatto del soffitto dice, posso haz lite? Un wuz leggero.

Come molte altre opere in mostra, la scultura di Mattes crea qualcosa di fisico che esiste principalmente nell'ambiente privo di peso e sostanza di Internet. Cattura sia la giocosità della cultura che si è evoluta attorno allo scatto e alla condivisione di immagini, in particolare i meme, anche se suggerisce il lato più oscuro della sorveglianza e del controllo latente nei nostri social network. È anche la principale immagine di marketing per la mostra e forse uno dei pochi passi falsi nella cura di questa mostra altrimenti stimolante e illuminante.

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Nel caso in cui ti mancasse Ceiling Cat (che è piccolo e sopra il livello degli occhi), il museo ha una piccola nota sul muro: guarda l'opera d'arte al centro del soffitto in questa galleria. Le fotografie non solo sono consentite ma incoraggiate. Con ciò, un po' di distanza critica si rompe, e la cosa che altrimenti sarebbe stata esaminata spassionatamente - come le nostre abitudini di trasmissione delle immagini si sono evolute nell'ultimo secolo e mezzo - improvvisamente sembra più un gioco che siamo tenuti a giocare. L'invito a partecipare, a scattare una foto a Ceiling Cat, non sembra giusto, soprattutto vista la tensione fondamentale che si sviluppa in questo spettacolo, tra partecipazione e conformismo.

Ma ovviamente nessun museo del pianeta oggi intraprenderebbe uno spettacolo su meme, istantanee e social media senza aspettarsi che tutti lo pubblichino su Instagram, lo hashtag su Twitter e inondano Facebook di selfie. La resistenza è inutile.

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Concepita da Clément Chéroux, il curatore senior della fotografia del museo, la mostra collega il nostro momento attuale con una storia più lunga e complicata della diffusione delle immagini. Inizia nel XIX secolo, con l'emergere della cartolina, che all'inizio del XX secolo in Francia stava travolgendo il sistema postale del paese con circa 173.000 cartoline inviate ogni giorno. Negli anni '30, anche le fotografie viaggiavano regolarmente attraverso i cavi e le agenzie di stampa portavano le notizie del mondo, comprese guerre, disastri e altre miserie, nei nostri salotti, facendo crollare la distanza e il tempo in modo tale che il mondo sembrava quasi istantaneamente disponibile e dolorosamente intimo .

A metà del 20 ° secolo, le cartoline a colori e la fotografia popolare hanno reso le icone del turismo mondiale familiari quanto i fast food, circolando attraverso milioni di immagini dai colori vivaci. E inclusi nella mostra ci sono il telefono cellulare Motorola, il laptop Toshiba e la fotocamera digitale Casio che l'inventore francese Philippe Kahn ha usato per inviare quella che è probabilmente la prima immagine della fotocamera del cellulare a una vasta rete di persone. La sgranata fotografia digitale del 1997 di sua figlia, nata pochi minuti prima, è stata accolta da un pubblico di circa 2.000 persone.

Cosa è cambiato in realtà con questa rivoluzione nella creazione di immagini, che ha reso le immagini immediatamente disponibili a migliaia, o ora miliardi, di persone? In molti modi, niente. Le persone inviano immagini per posta quasi dall'invenzione della fotografia e distribuiamo immagini di noi stessi molto prima dell'invenzione della parola selfie. Peter J. Cohen, un collezionista che si è concentrato su istantanee e fotografie vernacolari, ha assemblato una vasta e variegata gamma di immagini in cui le persone hanno scritto la parola me accanto a una fotografia, presumibilmente di se stessi. Questi abbracciano decenni di fotografia in bianco e nero e suggeriscono una coerenza persistente e non sorprendente nel nostro rapporto con le fotografie: le usiamo per affermare la nostra esistenza, per segnare il nostro posto nel mondo. Ciò non è cambiato nemmeno con l'evoluzione dei mezzi di creazione e distribuzione delle immagini.

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Anche gli artisti non hanno scoperto idee sui social network e sulla circolazione delle immagini con l'invenzione di Facebook e di altri spazi sociali online. Il movimento della mail art, in cui gli artisti usano la posta per creare modelli di circolazione indipendenti dai musei o dalle gallerie tradizionali, e invitano alla creazione di immagini in collaborazione, è molto anteriore al nostro mondo snap-and-share del 21° secolo. Alcune delle opere visivamente più evocative della mostra sono dell'artista tedesco Thomas Bachler, che ha creato piccole fotocamere stenopeiche in scatole di cartone e le ha inviate attraverso il sistema postale tedesco, dove hanno registrato passivamente fotografie spettrali e accidentali. Sono incredibilmente belli e sembrano un po' immagini mediche, sfocate e grigie con strani tubi, linee e fili di materiale apparentemente organico che li attraversano.

Ma per altri versi, il cambiamento è enorme e così pervasivo che è quasi impossibile farne il punto. Il famoso lavoro di installazione di Erik Kessels 24HRS in Photos è composto da giganteschi cumuli di fotografie stampate selezionate da 24 ore di caricamenti sui social media. È stato rimontato per questa mostra, creando una stanza piena di quadri ammucchiati sul pavimento e arrampicati sulle pareti. All'inizio sembra inquietante, un avvertimento del grande diluvio di immagini reso possibile dalle fotocamere dei cellulari e dalla fotografia digitale. Ma è anche curiosamente affascinante, con le fotografie che rifiutano di essere spazzatura, e attira lo sguardo su persone bellissime, spiagge assolate, bambini che giocano e tutto il resto della vita quotidiana che non smettiamo mai di documentare ed esporre.

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Non è solo il volume delle immagini che è cambiato. Le persone, specialmente i giovani, ora parlano o conversano per immagini, inviando immagini invece di parole, per esprimere i propri pensieri e sentimenti. E c'è una crescente consapevolezza di come la nostra dipendenza dagli smartphone stia diventando patologica, una dipendenza che disperde l'attenzione e sciupa il nostro rapporto con le cose e le persone reali. L'artista Kate Hollenbach accenna ai cambiamenti psicologici che ciò comporta in un'opera video chiamata phonelovesyoutoo, in cui ha truccato il suo telefono per registrare video di lei ogni volta che si è impegnata con esso, per controllare la posta o navigare sul Web o utilizzare la sua funzione GPS. Il risultato è una matrice di piccoli video dello stesso volto, in spazi chiari e bui, mattina, mezzogiorno e sera, a letto, per strada, camminando tra gli edifici, una forma autoimposta di sorveglianza inversa. La valenza emotiva di questa griglia di immagini delle dimensioni di una stanza è quella del nervosismo, dell'agitazione, dell'energia irrequieta e non orientata e della dissonanza.

Poi c'è Ceiling Cat, che arriva subito dopo il video evocativo di Hollenbach. È un buon inizio di conversazione per il mondo dei musei, un modo per pensare ai pericoli e alle opportunità in mostre come questa. I musei d'arte sono esattamente il tipo di istituzioni in grado di affrontare un argomento ampio e complicato come Snap+Share, che coinvolge non solo cambiamenti nella cultura visiva, ma anche cambiamenti sociali, tecnologici e psicologici.

Ma c'è sempre il pericolo di rimanere troppo coinvolti nell'argomento. Le istituzioni culturali bramano il tipo di energia che sembra fluire attraverso i circuiti di Internet. Bramano il pubblico che è cresciuto con questi sistemi di creazione e distribuzione di immagini, e bramano i soldi delle persone le cui fortune sono state fatte nella corsa all'oro digitale. C'è anche una tendenza, non rara tra i professionisti dei musei, a guardare al mondo esplorato in mostre come Snap+Share come il futuro, e poiché tutti vogliono appartenere al futuro, c'è una sorta di tacito avallo della tecnologia, che porta con esso un'approvazione implicita dell'industria dietro di esso.

È una piccola cosa, ma questa mostra sarebbe stata più forte se non avesse invitato il pubblico a partecipare. Ceiling Cat, come opera d'arte, è un invito a pensare. Ma invitando i visitatori a smaterializzare la scultura di Ceiling Cat in un meme di Internet, il curatore sembra dire: è stato tutto molto divertente. Il distacco critico dello spettacolo è sostituito da singhiozzi, risatine e vibrazioni di benessere. La mostra bilancia in modo intelligente l'osservazione storica di un vecchio fenomeno - il nostro bisogno di far conoscere agli altri la nostra presenza nel mondo - con osservazioni lucide su come la tecnologia sta cambiando la nostra vita interiore e le nostre relazioni sociali. Ma con Ceiling Cat e altri inviti a scattare foto e inviarle al mondo, lo spettacolo soccombe alla fine al pensiero magico con cui teniamo a bada le nostre ansie sulla cultura dei social media: è innocuo se lo trattiamo semplicemente come un poco ironicamente.

Uno spettacolo davvero radicale non ci lascerebbe scappare così facilmente. Avrebbe richiesto che le persone si lasciassero alle spalle l'impulso di scattare e condividere abbastanza a lungo da esplorare cosa ci sta facendo scattare e condividere.

Scatta+Condividi Fino al 4 agosto al San Francisco Museum of Modern Art. sfmoma.org .

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