La mostra Getty mostra come il corpo nudo è diventato un soggetto per l'arte

Dosso Dossi (Giovanni di Niccolò de Lutero). 'Allegory of Fortune,' about 1530. Oil on canvas. (The J. Paul Getty Museum)

LOS ANGELES — Le buone esibizioni complicano le cose senza confonderle. Secondo questo standard, The Renaissance Nude del Getty Museum è uno spettacolo molto raffinato, che aggiunge strati di complessità alla comprensione generale di come il corpo nudo è diventato un soggetto per l'arte nel XV secolo. Si concentra non solo sul nudo eroico in Italia, il corpo idealizzato ispirato alla riscoperta dell'arte antica, ma anche sul nudo in tutta Europa. Esamina le varie forze in gioco all'epoca, compresi i cambiamenti nella pratica religiosa e nuovi e più rigorosi poteri di osservazione, e come quelle forze creassero un appetito per la rappresentazione del corpo nudo. E riconosce l'ovvio: quel desiderio è sempre stato una parte del piacere della figura nuda, non importa quanto pia o allegorica o mitologica fosse la narrazione di supporto.

La mostra, curata da Thomas Kren, abbraccia un arco temporale di circa 120 anni, a partire dal 1400, e comprende più di 100 opere, molte delle quali significative prestiti provenienti dalle maggiori collezioni europee. Presenta opere di Giovanni Bellini, Donatello, Albrecht Durer, Jan Gossaert, Antonio Pollaiuolo e Tiziano e comprende dipinti, sculture, disegni (compresi i rendering anatomici di Leonardo) e stampe. Pone anche un'attenzione particolare sugli artisti francesi, che hanno prodotto una sorta di storia nascosta del nudo in libri devozionali illustrati, immagini destinate alla contemplazione e al diletto privato e immagini che non sono sempre incorporate nella più ampia comprensione del nudo durante questo periodo.

Due grandi tendenze hanno guidato l'emergere del nudo come soggetto. C'è stato il Rinascimento, come comunemente inteso, un risveglio di energie intellettuali che ha spinto gli artisti ad un'osservazione più attenta del mondo, compreso il corpo umano. Ma c'era anche un impulso religioso: verso un cristianesimo più personale, mistico, intensamente sentito, che spesso prendeva forma visiva. Il desiderio di contemplare soggetti religiosi, di banchettare con la loro sostanza visiva, ha portato a rappresentazioni più sensuali di figure religiose chiave, tra cui, in Francia, Betsabea, che David vide fare il bagno. Il mercato dei libri di preghiera o devozionali, spesso commissionati da ricchi mecenati, ha ispirato gli artisti a perseguire nuove rappresentazioni e spesso raffinatezze audaci in queste miniature strettamente tenute. In alcuni casi, potrebbero aver risposto direttamente ai gusti sessuali degli aristocratici per i quali i libri sono stati realizzati: si dice che il Duca di Berry, per il quale è stato realizzato un piccolo dipinto di giovani penitenti religiosi che si flagellano, abbia avuto un gusto per uomini della classe operaia, insieme a ragazze molto giovani.

Anche diverse concezioni della correttezza hanno influenzato lo sviluppo della forma nuda. In Italia, all'inizio del XV secolo, predominavano le immagini del San Sebastiano nudo, anche perché non era appropriato disegnare donne nude dal vero. Un disegno di figure femminili di Pisanello, probabilmente realizzato tra la metà degli anni 1420 e l'inizio degli anni 1430, potrebbe essere stato tratto o meno dall'osservazione effettiva di modelli femminili, ma se lo fosse, allora è stato uno dei primi di questi disegni. Più curioso è uno schizzo di Fra Bartolommeo, che ha aggirato il problema del disegno di donne nude utilizzando una bambola meccanica, o manichino, come modello per la Vergine Maria. Appare in una posa tradizionale - cullando il corpo del Cristo morto - ma ha la parte superiore del corpo e le braccia muscolose di un uomo.

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Anche le forze puramente artistiche guidavano il nuovo immaginario. L'impulso al virtuosismo, all'elaborazione, al perfezionamento e al superamento dei lavori precedenti, potrebbe spiegare la Battaglia dei nudi, un po' surreale, del Pollaiolo, un'incisione che ebbe influenza in tutta Europa. Mostra una brutale battaglia tra 10 uomini nudi, che brandiscono spade, frecce, asce e pugnali. Il contesto di questa sete di sangue non è dichiarato, o ovvio, ma la motivazione dell'artista potrebbe essere stata semplicemente quella di mostrare la sua abilità in diverse pose della figura maschile.

L'osservazione può aver guidato parte dello sviluppo del nudo, ma l'osservazione ha anche portato all'idealizzazione, e per molti artisti, disegnare il corpo nudo non significava catturare un momento discreto nella vita di una figura vivente, ma perfezionare la forma del figura al di là dei particolari di un corpo. Artisti come Durer hanno cercato di schematizzare il corpo, identificarne le proporzioni e determinare la relazione ideale delle sue parti tra loro. Artisti come Michelangelo hanno spinto quell'idealizzazione per creare ciò che ancora oggi viene letto come corpi sovrumani, perfetti oltre la ragione. In un certo senso, ciò ha portato il Rinascimento al punto di partenza, dal suo argomento iniziale con la rappresentazione medievale formulata del corpo a un'altra formula ancora: il nudo esagerato, presumibilmente classico, che si vede nelle figure della Cappella Sistina (un'immagine di cui conclude lo spettacolo Getty).

Durante lo spettacolo, si vedono il desiderio e la sessualità operare in modi sorprendentemente evidenti. Un capitolo della mostra si concentra sull'uso di persone reali come modelli per figure religiose, tra cui un dipinto della metà del XV secolo dell'artista francese Jean Fouquet della Vergine a seno nudo. L'ispirazione per il volto della Vergine fu probabilmente una bellezza rinomata, Agnes Sorel, che era anche l'amante di re Carlo. Un'altra sezione prende in considerazione il presunto desiderio illecito, inclusa l'omosessualità, che è vista in una xilografia deliziosamente schietta di una scena di un bagno maschile di Durer, in cui gli uomini si guardano l'un l'altro con interesse più che comune, e in un'incisione di Marcantonio Raimondi di Apollo e Admeto, un tropo del desiderio omosessuale preso in prestito dalla mitologia greca. Una discussione sulle rappresentazioni del corpo sofferente o mutilato sottolinea non solo un'importante eccezione alla tendenza a idealizzare i corpi perfetti, ma sottolinea anche il grado in cui sadismo, masochismo e altre variazioni sessuali erano intrecciate con narrazioni religiose comuni.

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Tra le immagini più gratificanti in mostra ci sono quelle che suggeriscono la varietà dei tipi di corpo che erano considerati belli. Un'immagine di Durer di una donna che prega, vista di spalle, mostra un ideale di bellezza più pieno e carnoso, mentre molti dei primi San Sebastiani raffigurano la bellezza maschile come androgina e persino femminile. Un potente disegno di Hans Baldung mostra Il Cristo estatico, che ha il corpo possente di una figura classica ma è visto attorcigliato a terra, con le ferite della crocifissione chiaramente visibili su una mano. Preso tra morte e resurrezione, fa scivolare una mano sotto un drappeggio che nasconde i suoi genitali, un gesto erotico sconcertante ma potente.

Il disegno di Baldung ricorda allo spettatore qualcosa che diventa un potente leitmotiv della mostra: che molte di queste opere insistono nell'operare in modi selvaggiamente diversi, persino contraddittori. Il religioso non esclude l'erotico: il sacro e il profano convivono. Non è la mente moderna, lasciva e insinuante, che legge il sesso in queste immagini. In effetti, questa mostra lascia la sensazione che il momento attuale sia quello puritano e nervoso e che abbiamo ancora molta strada da fare prima di riconoscere pienamente quanto meravigliosamente voluttuoso sia sempre stato il passato.

Il nudo rinascimentale Fino al 27 gennaio al Getty Museum di Los Angeles. getty.edu .