Faith Ringgold è un'artista, un attivista e un profeta. Ma questo è solo graffiare la superficie.

Primi lavori n. 7: Quattro donne a un tavolo (1962) di Faith Ringgold. (2021 Faith Ringgold, membro ARS, ACA Galleries, NY)

Nessuno dei volti di Four Women at a Table di Faith Ringgold esprime gioia. Le donne sono raggruppate in uno spazio ristretto, le ombre scendono profonde sui loro capelli e sui loro volti, e se le due figure ai lati del tavolo si guardano, è con sospetto o qualche insinuazione più oscura.

Il dipinto del 1962, uno dei primi lavori dell'acclamata artista, si incontra all'inizio di una potente rassegna della sua carriera in mostra al museo di Glenstone. Presentato originariamente nel 2019 alle Serpentine Galleries di Londra, lo spettacolo ha viaggiato in Svezia ed è stato visto qui nella sua unica sede negli Stati Uniti. Portare mostre all'esterno non è la pratica abituale di Glenstone, afferma la direttrice del museo Emily Wei Rales. Ma anche prima della morte di George Floyd la scorsa estate e dell'effetto catalizzatore che ha avuto sul movimento Black Lives Matter, Glenstone aveva pianificato di ospitare lo spettacolo.

Vederlo oggi, mentre a Minneapolis è in corso un processo per esaminare la morte di Floyd, è brutalmente duro, ma anche esilarante. Ringgold emerge non solo come un potente sostenitore della giustizia razziale e dell'uguaglianza delle donne, ma come un profeta. E vedere uno spaccato della carriera dell'artista novantenne lascia elettrizzati da qualcosa anche altro: la coesione e la persistenza delle sue idee, impulsi e gesti, che suggerisce un eroico senso di scopo, una mente dedicata a raccogliere le cose, legarle insieme e renderle leggibili al più vasto pubblico possibile.

Considera quattro donne a un tavolo. C'è una narrazione qui, apparentemente di ozio, alienazione e sfiducia reciproca, anche se l'immagine non lo rende esplicito. Ma c'è anche la tendenza a mettere in primo piano le geometrie che hanno un peso emotivo, gli angoli e gli archi di guardare o passare l'un l'altro, e le gerarchie di altezza e posizionamento dei volti all'interno di una cornice ristretta. Le teste devono qualcosa a Picasso e ancor di più alle linee e ai piani astratti di Matisse, le cui ombre facciali verdi sembrano aver ispirato Ringgold a crearne di analoghe blu in questi primi anni della sua carriera.

In tutta la mostra, questa tendenza alla geometria e all'astrazione ricorre, collegando il lavoro figurativo a occasionali incursioni nell'astrazione pura. Ringgold, che è cresciuto ad Harlem e ha sostenuto il movimento Black Power negli anni '60, è ricordato nella stenografia riduttiva del frequentatore di musei occasionale come artista politico e provocatorio. L'esposizione di una delle sue opere più stimolanti, la American People Series #20 del 1967: Die at the Museum of Modern Art di New York onora e attenua l'eredità dell'attivismo: il dipinto a grandezza naturale è giustapposto al rivoluzionario 1907 Les Demoiselles di Picasso d'Avignon, con l'implicita suggestione che entrambi siano dirompenti, spontanei e selvaggi nella loro tenacia di propositi espressivi.

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Ma questo minimizza un altro fatto su Ringgold, che diventa sempre più chiaro durante questa mostra: le forme altamente tracciate e strutturate che sono alla base di ogni dipinto o disegno. È appassionata di composizione, rendendola una metafora per comprendere e quindi contenere le energie che la sua arte raffigura e dispiega. Una delle sue opere più note, American People #19 del 1967: US Postage Stamp Commemorating the Advent of Black Power, usa il tropo della Pop Art di un oggetto familiare e quotidiano, il francobollo, per creare una griglia di volti, alcuni neri , gli altri per lo più Bianchi. Le parole Black Power sono incise diagonalmente sulla griglia, chiaramente leggibili. Ma la griglia stessa è strutturata dalle parole White Power, con le lettere distese e collegate, e rese in bianco, e quindi quasi impossibili da leggere a meno che non le si cerchi.

Il carattere spettrale, simile a una griglia, fa una dichiarazione di base sulla natura nascosta delle strutture di potere, un'ubiquità e onnipresenza che le fa scomparire all'interno dell'ordine naturale implicito delle cose. Ma ricorda anche un gioco per bambini, in cui le parole erano scritte con caratteri distesi verticalmente, in modo che l'unico modo per leggerli fosse girare la carta in modo che fosse quasi orizzontale rispetto al pavimento, il che faceva apparire il carattere disteso verticalmente come una stampa normale.

Questo gioco offre una semplice lezione di un'abilità artistica di base, lo scorcio. Nella mano di Ringgold, suggerisce anche che dovremmo, almeno mentalmente, togliere i suoi dipinti dal muro se vogliamo vedere le cose da una nuova prospettiva. Questa richiesta diventa ancora più esplicita nei suoi famosi dipinti quilt, in cui le scritte su alcune delle tele trapuntate scorrono geometricamente attorno all'opera in modo tale che a volte sia capovolta, o corri su e giù per l'asse verticale. Di nuovo, il modo migliore per vederlo, per leggerlo facilmente, sarebbe rimuoverlo dal muro, se quel genere di cose fosse permesso in un museo d'arte.

Ringgold si è dedicata alla realizzazione dei suoi dipinti trapuntati dopo aver scoperto una stanza di dipinti su rotoli tibetani e nepalesi del XV secolo, o tanka, al Rijksmuseum di Amsterdam. I dipinti che potevano essere arrotolati erano più facili da spostare e riporre, cosa che all'epoca trovava conveniente. Come artista donna, devi gestire il tuo lavoro stesso, ha detto in un'intervista con Hans Ulrich Olbrist pubblicata nel prossimo catalogo della mostra.

Si potrebbe compilare una tesi di buone dimensioni sui lavori di trapunta di Ringgold da soli - come hanno reso la narrazione e la memoria centrali nel suo lavoro, permettendole di aggirare i soliti guardiani della narrativa, e come hanno confuso le vecchie idee sul confine tra arte e artigianato, pittura e trapuntatura, forme di espressione legittime ed emarginate. Ciò che colpisce di più nel vederli di nuovo, e tanti di loro tutti insieme, è la loro intimità. Una virtù delle cose che sono altamente portabili è che puoi tenerle vicino a te, ed è quella qualità di vicinanza che è più commovente.

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Tra i punti salienti della mostra c'è l'esposizione per la prima volta in una galleria di una collezione di nove opere astratte realizzate da Ringgold nei primi anni '80, dopo la morte di sua madre nel 1981. Chiama questi dipinti la serie Dah, un nome inventato dato loro dalla sua prima nipote, che all'epoca stava imparando a parlare. Formalmente, si basano sulla resa quasi astratta di foreste e vegetazione vista in alcuni dei suoi primi lavori. Il motivo suggerisce anche il tipo di mimetismo che potremmo indossare se cercassimo di rimanere poco appariscenti in una foresta di arcobaleni, argento e oro e tramonti perpetui. Suggeriscono il paradiso, o la gioia, forse l'euforia della scoperta quando un bambino indica qualcosa di significativo e dice, semplicemente, che, lì, sì o dah!

Il valore di questa mostra è l'accumulo di dettagli e intuizioni. Non sostiene che l'arte di Ringgold sia in qualche modo più personale e intima di quanto di solito le diamo credito, se solo potessimo vedere oltre la politica. Piuttosto, aggiunge il personale e l'intimo alla sensibilità attivista e politicamente in sintonia. Collega i colpi di scena nella sua vita— una visita ai maestri olandesi al Rijksmuseum porta alla scoperta dei dipinti tanka —alla sua passione di una vita per la giustizia nel mondo.

Ma offre anche qualcosa che è facile perdere di vista, il dopo utopico della lotta politica. Che aspetto ha il mondo migliore che cerchiamo, quando lo raggiungiamo?

La serie Dah suggerisce che è già lì, nascosto in bella vista, come le perniciose parole White Power sul dipinto del francobollo che ha realizzato nel 1967.

Fede anello d'oro apre al Glenstone l'8 aprile. Ulteriori informazioni su glenstone.org .

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