Sono donne, sono nere e non ne fanno arte

Una nuova mostra al National Museum of Women in the Arts affronta due falsi presupposti radicati nel mondo dell'arte. In primo luogo, che le donne dovrebbero fare arte femminile, e in secondo luogo, che gli artisti afroamericani dovrebbero fare arte figurativa e attivista, opere che affrontano questioni di razza, disuguaglianza, ingiustizia e la lunga storia di violenza contro i neri.

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today si concentra sulle artiste nere che lavorano al di là o al di fuori di questi dettami. Il lavoro include astrazioni infuocate realizzate con oceani rappresi di vernice e stampe delicate con sfumature di rosa e raffinati trafori. Alcuni quadri si staccano dalle pareti e dominano lo spazio; altri intimiscono il silenzio e avvicinano sempre più lo spettatore alla loro enigmatica reticenza. Ma tutti sfidano le aspettative estetiche radicate nelle categorie arbitrarie di razza e genere.

Come spiega un saggio introduttivo al catalogo della mostra, questi artisti stanno lavorando su una periferia di una periferia di una periferia. Dove sono queste periferie multiple? In nessun particolare ordine di precedenza, considera prima il genere e l'astrazione. Fino alla metà del secolo scorso, il campo è stato dominato da uomini che hanno riproposto le idee del XIX secolo sull'artista eroico e sui poteri demoniaci dell'espressione emotiva. Le donne che hanno lavorato in stili non oggettivi sono state trascurate, emarginate o fraintese. Quando riuscivano ad avere successo alle loro condizioni, spesso era perché il linguaggio visivo che usavano rifletteva aspettative sui loro corpi e sul loro portamento, piccoli gesti delicati, colori tenui o forme ripetitive che lenivano l'occhio. C'erano delle eccezioni, certo, ma le eccezioni hanno rafforzato le aspettative tradizionali nel modo consueto con cui il potere si difende: ci accusi di escluderti o emarginarti? Ebbene, questo esempio solitario del contrario mina la tua accusa.

Quindi, considera la razza. Il lasso di tempo compreso in questa mostra ripercorre la storia dell'arte dall'apice del movimento per i diritti civili negli anni '60 al movimento Black Lives Matter dei nostri tempi. Molte delle donne incluse qui hanno resistito alla tentazione di fare arte che fosse esplicitamente politica o direttamente sull'esperienza nera. L'arte astratta è stata spesso vista in termini razziali, come una forma d'élite praticata da artisti bianchi. Ci si aspettava che gli artisti neri meditassero sulle idee nere, usando un linguaggio visivo derivato dalle idee sulle radici africane dell'esperienza afroamericana o della diaspora.

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Mildred Thompson, uno dei migliori artisti in questa mostra, non avrebbe niente di tutto ciò. Copiare simboli che non si comprendono, utilizzare deliberatamente una forma che non si sa analizzare o apprezzare è stato per me il colmo della prostituzione, ha detto. E non era disposta a cedere l'astrazione agli artisti d'élite: era forse perché avevo vissuto e studiato con i 'bianchi' che avevo imparato ad apprezzare la mia nerezza.

È una potente dichiarazione di indipendenza e costantemente messa in discussione dalle abitudini radicate di critici, curatori, studiosi, collezionisti e pubblico.

Quindi l'arte inclusa sembra assertiva, dimostrativa, schietta e impenitente. Ma al di là di quella sensibilità condivisa, ci sono legami tra queste opere? Ci sono affinità di stile o di dettaglio che legano una singola opera alle 40 altre in mostra? C'è un takeaway che trascende il singolo artista?

Questo è un territorio pericoloso. Una volta che inizi a cercare quei collegamenti, rischi di limitare ciò che gli artisti hanno cercato di preservare: l'individualità e il contenuto espressivo sui generis di ogni opera.

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Eppure, sembrano esserci tracce di comunanza o parentela, specialmente nel modo in cui diverse opere esprimono un senso di scissione o divisione. Forse questo cattura il modo in cui il potere agisce su di noi, il modo in cui crea divisione non solo tra i gruppi sociali ma nel nostro senso di sé. Il potere ci dice cosa dovremmo essere, indipendentemente da chi siamo veramente. Ci separa dalla nostra dignità innata e imprime il suo prezzo sulle nostre idee, sui nostri doni, sui nostri contributi.

In una composizione ampia e dinamica di Shinique Smith, Whirlwind Dancer, la scollatura è fisica. Il dipinto sembra a prima vista rappresentare un singolo oggetto unificato, una sorta di vortice o vortice che ha risucchiato il materiale e i detriti di mezzo secolo di pittura in un'espressione ondulata e fluttuante di pura energia. Ma in realtà si tratta di due tele unite e mentre studi quella cucitura ti rendi conto che linee o forme attraversano la divisione solo in pochi punti. Questa metafora di un'energia che è intera nonostante sia diffusa attraverso uno spazio vuoto o una fessura è l'essenza del potere dell'opera.

Una scultura di Barbara Chase-Riboud, le cui steli in bronzo e tessuto sono in mostra alla Michael Rosenfeld Gallery di New York questo autunno, è divisa orizzontalmente, con una gonna in tessuto che sembra sostenere l'enorme peso di un busto di bronzo. La statua mette in scena un dialogo che molte persone sentono interiormente, tra una paura primordiale che tutto possa crollare e un'esilarante sensazione che stiamo, in qualche modo, riuscendo a tenerlo sospeso nell'etere del nulla.

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Jennie C. Jones è rappresentata da un lavoro che utilizza pannelli acustici per creare astrazioni classiche e minimaliste. Ma i pannelli acustici portano con sé accenni di silenzio, e una dicotomia non dissimile da quella suggerita dal lavoro di Chase-Riboud: si tratta del silenzio, che è la tela su cui è scritta la musica e una forza spirituale liberatrice, o l'atto di essere messi a tacere, qual è la prima e fondamentale strategia del potere?

Queste dicotomie si estendono per tutta la mostra. In un'opera particolarmente mozzafiato, un dipinto senza titolo del 1972-73 di Howardena Pindell, la tela è ricoperta di piccoli punti delle stesse dimensioni dei piccoli pezzi di carta rotondi rimasti quando si utilizza una punzonatrice per carta. In un altro lavoro usa i veri frammenti di carta circolare mescolati alla pittura per creare un'opera autobiografica dalla forma strana che fa riferimento al tempo trascorso in Giappone. Ma nel dipinto acrilico senza titolo, ha meticolosamente dipinto la loro traccia bidimensionale, su una tela che include un motivo illusionistico di pieghe, come se il tutto fosse stato infilato in un armadio o lasciato sul pavimento, incustodito, fino alle imperfezioni prese forma. È un lavoro complesso che avvia la mente su una catena di domande: chi ha fatto questi punti, chi ha perforato la carta e per quale scopo, e cosa è stato scritto sulle pagine della carta che è stata perforata? - che in ultima analisi indicano l'idea di testo o documento che ci viene negato.

Questa è la domanda con la quale il potere deve essere rigorosamente affrontato: cosa ci viene negato? Questa mostra è una risposta pratica e pragmatica alla domanda. Ma naturalmente la domanda ne solleva un'altra: cosa ci nascondiamo da noi stessi?

Campi magnetici: espansione dell'astrazione americana, dagli anni '60 a oggi è in mostra al National Museum of Women in the Arts fino al 21 gennaio. Per maggiori informazioni visita www.nmwa.org.